Прежде чем описать этот алгоритм, поговорим немного о градациях серого цвета. Представьте себе шкалу: на левом конце она белая, на правом — черная. А между этими двумя цветами находится множество оттенков серого. (Строго говоря, черный и белый нельзя назвать «цветами». Это так называемые «ахроматические тона». А черный художники называют «отсутствием цвета». Но это так, к слову).
Итак, существует множество градаций серого, но для изображения светотени нам вполне хватит четырех. Самый прозрачный оттенок — это свет. Белым цветом мы изображаем самые яркие и освещенные участки предмета.

Следующий оттенок — умеренно прозрачный, или светло-серый. Этим оттенком изображают так называемые участки «отраженного света». Более темным оттенком серого рисуют участки предмета, находящиеся в тени.

И наконец самым темным, почти черным оттенком рисуем тень, падающую от предмета. Что такое яркий свет, тень на предмете и падающая тень от предмета — более-менее ясно.

А вот «отраженный свет» часто вызывает недоумение: наш глаз не приучен замечать эти участки, находящиеся на границе света и тени. Кроме этого, изображать тени нужно тщательно и точно: именно расположение светлых и темных участков создает рельеф и структуру предмета — причем именно так, как его видит художник, когда и он сам, и источник освещения находятся в определенных конкретных местах.
Стоит повернуть голову или сдвинуть источник света — и тени сразу лягут по-другому. «Карта светотени» помогает разрешить все эти сложности. Чтобы правильно нарисовать игру света и тени, надо точно зафиксировать свое местоположение и угол зрения, а также местонахождение источника света.

Затем нужно нарисовать контуры предмета с помощью «маленького альпиниста». Следующий шаг — найти самый светлый участок и нарисовать его контуры: точка за точкой, вслед за маленьким альпинистом, как будто освещенная область — это отдельный предмет.
Затем ищем самый темный участок предмета — тот, который явно выглядит затененным. И точно так же рисуем его контуры.
После этого рисуем тень, падающую от предмета — пока тоже лишь контуры. Когда вы нарисуете все эти карты, вы обнаружите области «ничьей земли» между участками яркого света и густой тени. Именно это и есть области отраженного света. Обычно их сначала не видят: для непривычного глаза они сливаются либо со светом, либо с тенью. Но после рисования карты глаз начинает различать оттенки, свойственные отраженному свету.

Когда карта нарисована, можно приступать к «раскраске». Для этого лучше всего настругать грифель, взять ватную палочку, которая обычно используется для косметики, обмакнуть ее в грифельную пыль, словно в краску, и растушевать области на карте: отраженный свет — чуть-чуть, тень — погуще и потемнее, падающую тень — совсем густо. Если какой-то участок получится слишком темным — можно всегда стереть лишний грифель ластиком.

Кроме растушевки, можно использовать штриховку: области отраженного света заштриховать легкими редкими штрихами, области тени — более глубокими и частыми, область падающей тени — практически сплошным штрихом. Когда мы рисуем предмет прямоугольной формы — нужно подчеркнуть разницу между освещением граней: если, например, свет падает на куб сверху — верхнюю грань оставляем белой, а самую темную боковую грань — темно-серой.

Резкий переход тонов подчеркнет грань. А вот в округлом предмете нужно как раз смягчить переходы между гранями с помощью ластика или дополнительных штрихов.

Запомните: резкие перепады тонов создают на рисунке ощущение грани, мягкие — ощущение округлости.
Итак, с помощью маленького альпиниста, листа пластика, циркуля и карты теней вы готовы создать свой первый полноценный рисунок!

Автор: Алина Даниэль

На рынке услуг художников творится настоящая неразбериха. Ежегодно на него проходит тысяча новых художников и такая же тысяча уходит. Постоянная текучка, отсутствие устоявшихся правил лишь усугубляют непонимание участников арт-рынка. Каждый художник творит в буквальном смысле то, во что горазд, а подавляющее большинство покупателей и заказчиков живописи совершают первую и фатальную ошибку – они не думают о том, что у любой картины существует срок жизни и этот срок может быть весьма малым.

В глазах обывателя все просто: купил или заказал живопись, оформил ее в красивую раму, поставил на стол или повесил на стену – и все, только протирай периодически пыль. Но вы даже не представляете, как быстро летит время… Через каких-то 20–30 лет большинство произведений современной живописи изменяются до такой неузнаваемости, будто картину каждую неделю на протяжении всего срока прокатывали под копировальным прессом: игра цветов пропадает, краски тускнеют, поверхность мутнеет, так приятную глазу фактурность произведения сменяют микротрещины и шероховатости. Картина становится увядшей и потрепанной, в ней уже нет той привычной живой сочности, даже несмотря на то, что все эти годы она не покидала вашего любимого места, допустим, в спальне.

Почему так происходит? Ответ на этот вопрос всецело зависит от такого понятия как «качество живописи», то есть от правильного применения художником в процессе создания произведения технологии письма и художественных материалов. Именно от качества живописи будет зависеть проживет ли картина с вами полноценную жизнь, порадует ли ваших потомков или же она обречена на быструю смерть.

Итак, с приобретением живописи все действительно не так просто и стать владельцем долговечного портрета или пейзажа даже на заказ без определённых знаний у вас вряд ли получится. Поэтому ознакомьтесь с рекомендациями ниже: они помогут вам избежать участи большинства владельцев произведений современных художников.

Как выбрать художника?
Миф № 1: чем известнее художник, тем качественней его живопись.

Реальность: большинство именитых художников пренебрегают не только техникой письма и качеством художественных материалов как раз по причине своей популярности. Логика таких художников примерно такая: « Я уже известен, мои работы все равно купят, а что будет с ними через 20–30 лет – не моя забота».

Рекомендации: выбирать известного художника не стоит, если вы не уверены в нем на 100%. Однако в реальности абсолютная уверенность очень редка и зачастую даже ближайшее окружение художника не знает, как, чем и на чем он выполняет свои работы. Но и впадать в противоположную крайность категорически не стоит: ни в коем случае не выбираете художников, которые дешево ценят свои работы – их живопись некачественная, следовательно, недолговечная по определению. Лучше найти художника из золотой середины.

Где искать художника?
Миф № 2: лучше разместить свой заказ на картину на профильных интернет-площадках (freelancer.ru, illustrators.ru и т.п.) и художники найдут меня сами.

Реальность: профессиональные художники не сидят активно в онлайн и не следят за подобными заказами. На такие заказы реагируют только начинающие художники либо художники общего профиля.

Рекомендации: выбирать художника нужно только самим, используя вышеназванные сайты исключительно для изучения портфолио. К тому же, чем больше вы будете изучать работы художников, тем лучше поймете, что практически каждый художник имеет свой особый почерк. Это поможет вам более точно определить, чего вы точно хотите и чего не хотите.

В каком стиле заказать или купить картину?
Прежде всего в том, который вам нравится. Однако если ваша цель также приобретение фамильного актива для нескольких поколений, то остановите предпочтение на импрессионизме или реализме. Это два бессмертных направления живописи, которые будут понятны и приняты всегда.

Бонус: если же вы хотите, чтобы ваша картина со временем приобрела дополнительную антикварную ценность, то выбирайте узкоспециализированных художников: портретистов, пейзажистов, маринистов и т.п. Художники общего профиля в данном случае менее предпочтительны.

Какие краски для картины выбрать: масло или акрил?
Выбирайте только масляные краски. Создать долговечный реалистичный портрет, пейзаж или тот же натюрморт акриловыми красками практически невозможно. Со временем акриловые краски выгорают, а живопись превращается в неестественную и начинает отдавать «пластмассовым» принтом. Если вы не фанатичный любитель того же портрета в поп-арт или дрим-арт стиле, то ваш выбор – только масло.

Однако не все масляные краски на рынке являются долговечными. Крайне необходимо, чтобы художник использовал только профессиональные серии красок. Вот их точный перечень: Winsor & Newton Artists’, Schmincke Akademie/Norma, Daler Rowney Artists’, Royal Talens Rembrandt, Sennelier Artists’, Old Holland, Michael Harding. Использовать краски других серий/марок не рекомендуется, особенно не следует пользоваться красками российского и китайского производства.

На каком грунте выбрать картину?
Любая краска при написании картины ложится на специальную поверхность, обеспечивающую ее адгезию, т.е. сцепление красочного слоя. Эта поверхность и называется грунтом, от качества которого также зависит долговечность вашего произведения. Художник должен использовать только художественный универсальный грунт, который производится исключительно на основе акриловой дисперсии (акрила) и титановых белил. Любой иной грунт для живописи недолговечен. Особенно остерегайтесь художников, использующих эмульсионный грунт.

На какой основе выбрать картину?
Помимо красок и грунта важную роль играет основа – она представляет собой фундамент картины, на котором, собственно, и должен держаться грунт с красочным слоем. Существует три основных вида живописных основ: целлюлозные, твердые и тканевые. Целлюлозные основы – это бумага и картон. Твёрдые основы – дерево, стекло, пластик и металл. Тканевые основы – холст из хлопка, полиэстера и льна.

Бумага и картон – самые долговечные основы, если вы не планируете хранить свою картину под герметичным стеклом. Твердые основы более уязвимы к сколам при даже небольших механических повреждениях и обладают нестабильной во времени адгезией грунта.

Наиболее качественной и проверенной временем основой для живописи является холст. Безусловно, многие из вас слышали заветное словосочетание «холст-масло», которое стало своеобразным эталоном качества живописи. Однако это тоже народный миф. Как масляные краски бывают по качеству совершенно разными, так и само по себе слово «холст» еще не гарантирует долговечность написанной на нем картины. Качество холста всецело зависит от типа используемой ткани.

Холст из хлопка – самый непрочный вид холста. Картину на хлопковом холсте рекомендуется хранить строго при температуре 27–30°C и влажности 20–30%, что достаточно не комфортно для человека. Хлопок не переносит «холода» (температуры ниже 27°), «сырости» (влажности воздуха выше 30%°) и особенно их постоянных перепадов, в противном случае он будет быстро разрушаться.

Холст из полиэстера не впитывает и испаряет влагу из воздуха, однако его достаточно легко проткнуть даже ногтем.

Холст из льна обладает самым сбалансированными эксплуатационными характеристиками, что делает его «идеальной» и проверенной основной для картины. Но и тут необходимо сделать ключевое уточнение: не просто льняной холст, а льняной ''длинноволокнистый холст''. Это действительно очень ключевое уточнение, поскольку более 90% льняных холстов на российском рынке НЕ являются длинноволокнистыми и производятся из коротковолокнистого льна – непригодного для высококачественной (высокопрочной) пряжи волокна. Длинноволокнистый холст производят только европейские производители, такие как: Lanificio Prato, Belle Arti, Claessens, Caravaggio, Museo, Charvin, Utrecht. Обязательно укажите на это художнику.

Как застраховать себя от обмана?
Хорошо, скажете вы, профессиональные масляные краски, художественный универсальный грунт, длинноволокнистый льняной холст… Но как получить гарантию того, что все обещания художника будут реализованы? Человек может сказать одно, но сделать другое и проверить это будет невозможно.

Вам поможет адаптированный для России и стран СНГ «Авторский договор AFA». Данный договор прекрасно мотивирует художника исполнить работу честно и качественно, поскольку не каждый человек (тем более человек творческий) пойдет на умышленное нарушение договоренностей, под которыми он собственноручно подписался. Но не перегибайте палку: не требуйте от художника предоставления каких-либо документов (например, сертификатов качества) на используемые краски и холсты – таковых у него просто не существует и существовать не может. Задача договора для заказчика – юридическое закрепление оговорённых материалов, названия которых будет вполне достаточно.

Подписанный договор вы можете сложить и подклеить скотчем к обратной стороне картины, где он будет храниться неразрывно на всем протяжении времени. Во многих западных странах такая практика имеет уже вековой опыт.

Только не думайте, что заключение договора – это дурной тон, неуважение к художнику и просто противоречит духу самой работы. Многие профессиональные художники, напротив, сами часто предлагают заключить договор, подстраховывая себя на случай возможной неуплаты. Поэтому предложение заключить договор с вашей стороны будет расценено художником как серьёзней профессиональный подход.

Как долго должна писаться картина?
Сроки написания картины зависят прежде всего от техники письма художника. Существует две основные техники живописи: однослойная и многослойная.

Однослойная живопись (она же Алла-прима) – это написание картины за один или несколько подходов в один слой. Более 80% всех произведений современной живописи выполняется именно в этой технике. Эта самая простая и быстрая техника. Картина при однослойной технике может быть выполнена от нескольких часов до нескольких дней.

Многослойная живопись – это написание картины посредством нанесения красок слой за слоем с прерыванием выполнения работы на высыхание каждого такого слоя. Данная техника более сложна в исполнении, длительна по срокам (от двух недель до месяца), но позволяет создавать наиболее реалистичные и живые работы, более полно раскрывая все преимущества масляных красок.

Рекомендации: если вам не важны сроки, не принципиальна «цена вопроса», то безусловно выбирайте художника, применяющего многослойную технику масляной живописи.

Миф № 3: однослойная живопись живет существенно меньше, чем многослойная.

Действительно, связи с массовым применением однослойной техники в современной живописи маслом сложилась реставрационная практика, при которой однослойная картина буквально начинается развалиться на кусочки через 10–15 лет, тогда как картина в многослойной технике выглядит более стабильной.

Однако истинная причина данного обстоятельства заключается в том, что однослойной техникой, как правило, создаются пастозные работы, требующие большого расхода красок. Поэтому в целях экономии художник приобретает более дешевые некачественные краски, а в качестве основы использует оргалит, хлопок или же коротковолокнистый лён. Неудивительно, что подобные манипуляции приводят к катастрофическому сокращению долговечности картины. В действительности при применении качественных художественных материалов однослойная и многослойная живопись имеет равный срок жизни.

Таким образом, если вы все же выбрали однослойную живопись (например, вам нужна картина быстро и относительно недорого), то условие об использовании профессиональных масляных красок и длинноволокнистого холста спасёт вашу будущую картину от преждевременной кончины.

Сколько должна стоить картина?
Верхней предел оценки живописи зависит от мастерства и признания художника, но как такового его не существует. Нижний же предел цены качественной профессиональной живописи все же существует: так, при размере работы 30*40 она не должна стоить меньше 300 USD. Более низкая цена означает использование некачественных материалов или неуверенность художника.

Эпилог с советом
Почитатели живописи часто попадают в такую ситуацию: «Влюбился в картину с первого взгляда, но, как оказалась, она выполнена “малярными красками на простыне”, т.е. на некачественных материалах. Что же делать?».

Большинство в такой ситуации все равно купят понравившуюся картину. В конце концов мы же покупаем не краску с грунтом на холсте, а произведение искусства – дух и энергию созданного образа и т.п. Однако правильный покупатель все же оставит включённой голову. Вы же заинтересованы в том, чтобы так полюбившаяся вам картина прожила долго? В таком случае воздержитесь от эмоциональной покупки, а попросите художника сделать вам авторскую копию из более качественных материалов. Авторские копии, как правило, не хуже оригинала, но живут существенно дольше.